除了電子與后制作品，當代作品對于原聲大提琴演奏應該要有怎樣的思維或哲學性探討呢？在此我淺顯地使用芬蘭女作曲家Kaija Saariaho于2000年完成的的無伴奏大提琴作品〈Sept Papillons〉來談談我心目中理想的當代作品應該呈現(xiàn)的樣貌以及美學觀。

1.大提琴演奏技巧運用：

當代作品的創(chuàng)作時期，由于已經(jīng)歷經(jīng)了數(shù)百年西方音樂歷史并且累積了可觀的作曲理論及作品，因此對于一項樂器的演奏技法與極限應該更為寬廣。當代作曲家的使命之一就是妥善地運用這些累積下來開發(fā)完備的樂器音色來傳達他內心的理想音色。如果當代作曲家只會運用莫札特、貝多芬等人的手法來譜寫他內心的音樂，我們無法批評他的作品技巧拙劣，但也不可能認為他能夠站在莫札特、貝多芬等人之上而有立足之地。

Kaija Saariaho的這部作品「Sept Papillons」當中，適當?shù)剡\用了弦樂器已被妥善運用的演奏技巧諸如sul ponticello(近橋演奏)、sul tasto(近指板演奏)、natural harmonic(自然泛音)、左手撥弦、senza arco(左手指敲打指板以發(fā)出音高)，并且善于運用左右手壓力變化來改變演奏音色。而natural harmonic(自然泛音)部分，作曲家相當擅長運用泛音列來架構出一個趨近于Ｄ大調(有時是b小調)的調性；甚至在無法發(fā)出自然泛音的音高，使用人工泛音來補足。

2.意象描述：

既然這作品與蝴蝶有關，七個樂章當中便各有相關手法來引領聽者感受到蝴蝶翩然的姿態(tài)。最多出現(xiàn)的方式，就是左手利用兩個不同的泛音來顫音，這樣展現(xiàn)出來的音色相當輕盈，還有一種模煳曖昧性，像是在進行單一或少數(shù)蝴蝶的特寫；另一種是用右手顫弓，這樣呈現(xiàn)出來的音色通常較重，再利用近橋演奏以及遠橋演奏的轉換，還有爆裂音色的使用，有時會讓人感受到數(shù)量龐大的蝴蝶群飛舞。

音色的轉換也是作曲家使用相當頻繁的手法，除了前述近橋演奏以及遠橋演奏的轉換以外，左手也有實音與泛音轉換的技巧，還有利用弓壓呈現(xiàn)正常音色與爆裂音色轉換，某些片段會讓人聯(lián)想蝴蝶的蛻變，這是屬于比較不同層次的意象描寫。

3.哲學性以及美學呈現(xiàn)：

每個時期的作曲家，對于人性、大自然、個人情感與社會情節(jié)多有所著墨，而Kaija Saariaho的這首作品「Sept Papillons」，則讓人深刻地感受大自然界瞬息萬變的面貌。以往有許多器樂作曲家寫過關于蝴蝶的作品，像是法國的Faure利用連弓拉奏快速音群、捷克的Popper利用快速分弓拉奏快速音群，無不是用某些手法來呈現(xiàn)他們所看見的蝴蝶飛舞姿態(tài)。然而在今日來看，雖有巧思，但作曲技法未免單調。

Kaija Saariaho的「Sept Papillons」，對于蝴蝶的姿態(tài)、生命蛻變，甚至是在大自然中相互依存的生態(tài)，我想，不僅僅是觀察敏銳，還想得透徹，甚至套用人類生命的各種歷練蛻變，竟也毫無違和。這樣思維之下創(chuàng)作的作品，演奏者與聆聽者不自覺地感受到「無常」，也就是佛家思想中當所認為的：每一「瞬」皆不同，稍縱即逝，不但無法復制也不能回到相同的「瞬」。

由于許多手法皆已被前人廣泛運用，二十世紀以來作曲家們不斷地嘗試新的手法、發(fā)展新的規(guī)則來限制作曲(例如十二音列技法)，雖然許多人無法馬上接受這些乍聽之下不甚悅耳的大提琴作品，但要真正理解一部作品，除了從感官訓練以外，還要從更多面向去思考作品背后的意涵，也因此現(xiàn)代作曲家或許越來越孤獨，但其成就也更非凡。